„Jeder Artikel besteht aus einer Vielzahl von Elementen, hinter denen viele Menschen stehen. Deshalb schätze ich die Beziehung zu den Menschen, mit denen ich zusammenarbeite, so sehr.“

Ich betone immer, dass ich viel manuell arbeite und versuche, die Form, die ich am Computer entworfen habe, von Hand umzusetzen. Ich habe meine eigene Modellbauwerkstatt, in der ich Prototypen aus Polystyrol, Ersatzmaterial oder dem Zielmaterial, z. B. Holz, herstelle. Für mich ist das die Grundlage, die das Projekt bereichert. Ich habe hier nichts Neues erfunden, denn im Designprozess war es immer so, dass etwas, das in der Konzeptphase auf einem Blatt Papier entstanden ist, dann in einem physischen Modell getestet wurde. Das Problem ist, dass dies in der Arbeit eines Designers heute eine Seltenheit ist. Der gesamte Prozess wird in der Regel an Produzenten übertragen, die über die richtigen Räumlichkeiten und alle notwendigen Maschinen und Werkzeuge verfügen. Das bringt sicherlich große Einsparungen mit sich, aber für mich als Designer ist es leider auch ein Verlust, weil manche Dinge ohne diese Phase nicht vorhersehbar und erkennbar sind. Außerhalb des Werkstattraums, dem sogenannten „schmutzigen Raum”, habe ich auch einen separaten „sauberen Raum”, in dem ich mit einem speziellen Designprogramm arbeite. Obwohl man eigentlich überall am Computer arbeiten kann, sogar in einem Wohnwagen, wie es bei mir vor ein paar Tagen der Fall war.

Ich denke, dass die Konzeptphase von großer Bedeutung ist, da sie viel Konzentration, Kreativität und Innovation erfordert, obwohl man im Voraus weiß, dass manche Dinge nicht übersprungen werden können. Es ist ein bisschen so, als würde man an die Grenzen seines eigenen Kopfes stoßen. Anspruchsvoll, aber auch sehr befriedigend. Die Werkstattphase ist mit körperlicher Anstrengung verbunden und erfordert viel mehr Zeit als das Entwerfen in einem 3D-Programm. Man braucht Unterstützung, aber auch viel Bereitschaft, um diesen Prozess gewinnbringend zu gestalten. Nach einem Tag an den Maschinen bin ich wirklich müde, aber ich habe auch das Gefühl, dass an diesem Tag etwas passiert ist, und das gefällt mir sehr gut.

Ich genieße es sehr, mit Massivholz und anderen edlen Materialien zu arbeiten. Es handelt sich um eine Marke mit einer sehr kohärenten Vision, die sich durch Aufrichtigkeit und Beständigkeit auszeichnet und ihrer eigenen DNA treu bleibt. Dies gilt sowohl für die Auswahl der Rohstoffe als auch für den handwerklichen Teil – den Umfang der Produktion, der auf der lokalen Verankerung basiert. Für mich ist das eine sehr romantische Vision. Da ich die Qualitäten von Tamo kenne, konnte ich Kejim voller Zuversicht eine Zusammenarbeit vorschlagen. Dies stärkt immer die Marke und beeinflusst andere Produkte.

Details und Nuancen – das ist es! Wie bei Arche. Wenn ich an Designs denke, die mir gefallen, geht es meist um die Weiterentwicklung des Konzepts – das Talent des Designers gegenüber dem Mut des Herstellers. Man sieht, wenn das Projekt eine Herausforderung für die Technologie und die Maschinen war und während des gesamten Produktionsprozesses viel Engagement erforderte. Oft ist es dieses makellos gefertigte Detail, in dem alles verschlüsselt ist. Ich mag den Prozess des Entschlüsselns, das Erkennen eines Konzepts, das an der Grenze zwischen Kunst und Design liegt oder an bestimmten Archetypen gemessen wird, und das Herausarbeiten seiner Essenz. Das ist es, wonach ich immer suche, sowohl als Designer als auch als Rezipient.

Ich werde diese Frage nicht beantworten

Vor allem möchte ich Dinge schaffen, die einen echten Wert haben – und für mich sind die Beziehungen, die mit dem Herstellungsprozess eines Produkts einhergehen, ein wesentlicher Bestandteil davon. Jedes Objekt besteht aus vielen Elementen, und hinter jedem davon steht eine ganze Gruppe von Menschen. Deshalb schätze ich die Verbindungen zu denen, mit denen ich zusammenarbeite, sehr – sei es im TAMO-Studio oder in der Fabrik während der Produktion. Ohne ihr Engagement und ihren Glauben an den Zweck eines bestimmten Produkts wäre es schwierig, eine hohe Qualität zu erreichen. Letztendlich ist es der Kunde, der am wichtigsten ist.

Sicherlich ist die direkte Inspiration die Außenwelt, denn obwohl man manchmal gerne isoliert von dem hinter der Tür liegenden funktionieren möchte, ist es doch das „Außen“, das die Quelle der Motivation und der Impulse ist. Auch die egoistischen. Was mich nährt, finde ich in der Kunst. Ich interessiere mich dafür, freie Aktivitäten als Teil der Schaffung reiner Kunst mit dem zu verbinden, was Design ist, das bestimmte Anforderungen erfüllen muss, denen man sich nicht entziehen kann. Ich suche nach Grenzen oder gemeinsamen Schnittpunkten von Kunst und Design. Ich bin sehr beeindruckt von den Werken Constantin Brancusis sowie von anderen Strömungen, bei denen Körper und Flächen auf eine bestimmte Weise gelesen werden müssen.

Ja. Bei diesem Projekt hatte ich völlige Freiheit, es gab keine Vorgaben seitens des Kunden, keine versteckten Erwartungen im Hintergrund und nicht einmal ein Briefing. Ich hörte nur, dass ein Tisch aus Massivholz entstehen sollte. Das Fehlen jeglicher Einschränkungen machte mir bewusst, dass ich es mit einer anderen Art des Denkens und einer anderen Sensibilität eines Designers für einen Designer zu tun hatte. Ich konnte mich von den Zwängen der Produktion lösen und mich auf meine Gefühle konzentrieren. Das löste ambitionierte Impulse aus, die bei der Arbeit äußerst anregend sind. Als Designer in einer solchen Situation möchte ich noch mehr von mir geben. Bei Shapes besteht jedes Modell aus vier Grundformen, die auf sehr unterschiedliche Weise zusammengesetzt werden können, wodurch ein völlig anderes Design entsteht. Also begann ich, einige Körper zu synthetisieren und sie in unterschiedliche Beziehungen zueinander zu setzen, sodass neue Systeme entstanden. Diese freie Arbeit mit Formen bedeutete, dass neben einem optimalen Modell, das ich ausgewählt hatte, eine ganze Kollektion entstand, die ich in der Entwurfsphase nicht berücksichtigt hatte. Auf diese Weise begannen die Variationen dieser Objekte ein Eigenleben zu führen und ermöglichten auch eine gewisse Individualisierung. Das war für mich von großem Wert.

Extrem. Arche wurde aus dem Archetyp der Einfachheit und Kompromisslosigkeit geschaffen. Das sind die Komponenten dieses Projekts. Ich wollte die Kompromisslosigkeit der Form beibehalten, um den Archetyp in seinem ursprünglichen Zustand zu bewahren. Gleichzeitig wollte ich, dass der Stuhl optisch ansprechend ist und die Menschen dazu animiert, ihn zu benutzen. Arche ist die maximale Einfachheit des Stuhls, während gleichzeitig Details hervorgehoben werden, die ihn zu mehr als nur einem einfachen Stuhl machen.

Blop ist so etwas wie ein Nebeneffekt, ein Splitter guter Kommunikation mit Tamo. Bei der Zusammenarbeit ist es mir wichtig, dass wir uns mit jedem Projekt besser kennenlernen, auch auf sozialer Ebene. Das muss mit der Freude einhergehen, miteinander zu kommunizieren, über die Arbeit und vieles mehr zu sprechen. So kam es einmal zu diesem Gespräch, in dem der Satz „Ich habe einen guten Drechsler” fiel, und ehe ich mich versah, führten mich meine Gedanken und Konzepte, die ich im Kopf hatte und für die ich keinen Plan hatte – ich wusste nicht einmal genau, was sie waren –, zu diesem Kleiderbügel. In dieser Zusammenarbeit gibt es kein Schnüffeln, Lauernd, Überprüfen mehr. Es ist einfach purer Flow. Wenn dieser Wendepunkt überschritten ist und Unvertrautheit der Offenheit weicht, entstehen noch bessere Dinge.